Методическое сообщение на тему: «Средства художественной выразительности в классе общего фортепиано»

Автор: Кудрявцева Екатерина Викторовна

Организация: ГБУ ДО НСО «Куйбышевская ДШИ»

Населенный пункт: Новосибирская область, г. Куйбышев

Особенностью музыки является то, что она может с огромной непосредственностью и силой передавать эмоциональное состояние человека, все богатство чувств и оттенков, существующих в реальной жизни.

Благодаря тому, что музыка представляет собой временной вид искусства (в отличие от живописи, скульптуры), она обладает возможностью передавать смену настроений, переживаний, динамику эмоционально-психологических состояний. Каждое музыкальное произведение имеет, таким образом, некую «чувственную программу».

Существует программная музыка. Здесь встречаются изобразительные моменты, и такое изобразительное произведение имеет эмоциональную окраску. Чириканье птиц может быть и встревоженным и приветливым, шум волн – умиротворенным и грозным. Поэтому выразительность всегда присуща музыки, а изобразительность имеет второстепенное значение.

Исполнитель, будучи посредником между слушателем и композитором должен оживить, озвучить музыкальное произведение, творчески осмыслить его и выразить те мысли и чувства, которые стремился передать композитор.

На чем же основана музыкальная выразительность?

К средствам музыкальной выразительности отностятся: мелодия, гармония, лад, тембр, регистр, ритм, динамические оттенки, штрихи, темп. Музыкальный образ создается определенным сочетанием средств музыкальной выразительности. Например, грозный характер передается с помощью динамики forte, низкого регистра, сдержанного темпа. Выразительность языка музыки во многом сходна с выразительностью речи. Между музыкой и речью много общего. Музыкальные звуки, так же как и речь, воспринимаются слухом. С помощью голоса передаются эмоциональные состояния человека: смех, плач, тревога, радость, нежность и т. д. Интонационная окраска в речи передается с помощью тембра, высоты, силы голоса, темпа речи, акцентов, пауз. Музыкальная интонация обладает теми же выразительными возможностями.

Речевая интонация выражает, прежде всего, чувства, настроения, мысли говорящего, как и музыкальная. Так, взволнованная речь человека отличается быстрым темпом, непрерывностью или наличием небольших пауз, повышением высоты, наличием акцентов. Музыка, передающая смятение, обычно обладает теми же чертами. Скорбная речь человека, как и скорбная музыка (тихая, медленная), прерывается паузами, возгласами.

Б. В. Асафьев употреблял термин интонация в двух значениях. Первое наименьшая выразительно-смысловая частица, «зерно-интонация», «клеточка» образа. Например, интонация двух нисходящих звуков с акцентом на первом (интервал малой секунды) обычно выражает боль, вздох, плач, а восходящий скачок в мелодии на четыре звука (на кварту) с акцентом на втором звуке — активное начало.

Второе значение термина применяется в широком смысле: как интонирование, равное протяженности музыкального произведения. В этом смысле музыка не существует вне процесса интонирования. Музыкальная форма есть процесс смены интонаций.

Музыкальная форма в широком смысле — это совокупность всех музыкальных средств, выражающих содержание. В более узком—строение музыкального произведения, соотношение его отдельных частей и разделов внутри части, т. е. структура произведения.

Временная природа музыки позволяет передавать процессы развития, всевозможные изменения. Чтобы понять смысл произведения, прочувствовать его, необходимо проследить за развитием музыкальных образов.

 

Мелодия.

В большинстве музыкальных произведений мелодия-важнейшее выразительное средство. Поэтому работе над ней обычно приходится уделять самое пристальное внимание. С первых шагов обучения, когда ребенок играет попевки из 2-3 звуков, следует уже обратить его внимание на то, что мелодия- это не ряд обособленных звуков, что они связаны между собой в единое целое. Это важно потому, что дети нередко воспринимают и исполняют мелодию точечно. Необходимо чтобы ребенок понял, что есть звуки более значительные, к которым текут все остальные. Уже при разучивании песен, используемых в начале обучения, ребенку следует дать представление о расчленении мелодической лини на фразы. Понятие фразы уместно связать с дыханием и на первых порах объяснить, что фраза – ряд звуков, исполняемых на одном дыхании. Вспомогательным приемом, помогающим объяснить течение мелодии, служит аналогия со словесной речью. Как можно раньше следует начать ознакомление ученика с интонационной выразительностью мелодии. На этой основе воспитываются представления об органической связи звуков внутри фраз. Полезно осознать в отдельных построениях наиболее значительные звуки - «интонационные точки». Это точки тяготения, центральные узлы, на которых все строится. Важно, чтобы ученик приучался осознавать выразительный смысл отдельных интонаций.

Штрихи.

Изучая штрихи, необходимо познакомить ученика с их обозначением в нотном тексте, показать способ звукоизвлечения и обязательно обьяснить их применение. Штрихи делают музыку красочной, живой и взаимодействуя с другими средствами выразительности, способствуют воплощению исполнителем идейно-эмоционального содержания произведения. Поэтому, говоря о штрихах, необходимо учитывать в каком конкретно художественном произведении данный штрих будет применен, какое содержание и характер музыки он будет призван подчеркнуть: торжественный, лирический, скорбный, шутливый, повествовательный и т.д.

Штрих легато является важнейшим средством кантиленой игры. Хорошее легато зависит в первую очередь от наличия соответствующих звуковых представлений и умения ясно слышать реальный результат своего исполнения. Необходимо направлять внимание учащегося на выработку навыков связывания звуков без лишних движений, толчков рукой и чрезмерного поднятия пальцев. Штрих стаккато чаще всего связан с исполнением танцевальной или скерцозной музыки . Нон легато применяется часто в подвижном темпе, при взволнованном характере музыки.

Лад.

При работе над музыкальным произведением важно уделить самое пристальное внимание ладо-тональным средствам выразительности. Это необходимо не только для исполнения изучаемого произведения, но и для развития ладо-гармонического мышления. Недостаточно ограничиваться традиционным мажором и минором. Необходимо знакомить учащихся с другими ладами народной музыки.

Гармония.

Выразительные возможности гармонии необычайно велики, крайне разнообразны и обычно выступают в их синтезе-одна и та же гармония имеет множественный художественный смысл. В легких пьесах педагогического репертуара наиболее отчетливо выступает роль гармонии в создании состояний неустойчивости (диссонансы) и покоя (консонансы).Восприятию их следует учить, начиная с простейших последований доминанты и тоники, особенно кадансовых, звучащих обычно более напряженно. Многие детские пьесы, основанные на органном басу, приучают слышать длительно покоющуюся гармонию. В дальнейшем ученик знакомится и с сочинениями, где гармонии быстро сменяются, создавая цепь неустоев. Знакомится он и с гармониями более терпкими, острыми. В процессе расмотрения логики гармонического развития надо сообщать ученику сведения о строении аккордов. О многом, конечно, придется говорить в общих чертах, но все же пренебрегать такими объяснениями не следует. Пусть то, что еще не может быть усвоено сознанием, будет пережито эмоционально и зафиксировано слуховой памятью.

Ритм.

Работа над ритмом — важный аспект деятельности музыканта-исполнителя на любом этапе становления его мастерства. В ряду средств музыкальной выразительности ритм является одним из основополагающих в силу того, что музыка — звуковой процесс, разворачивающийся во времени. И если понимать ритм в широком смысле слова как организацию этого процесса, то нельзя ограничиться разбором лишь соотношения звуков музыкального построения по длительности. Непременно возникает необходимость рассмотрения и других факторов организации этого временного процесса — метрической упорядоченности ритмических группировок, темпа произведения, а также отдельных его частей и разделов, логики темповых отклонений, вызванных определенными художественными задачами. Как мелодия, гармония и другие средства музыкальной выразительности, ритм находится в прямой зависимости от эмоционального содержания произведения. На практике же часто приходится сталкиваться с тем, что учащиеся, отдавая себе отчет в том, что изменение мелодии или гармонии влечет за собой искажение авторского замысла, относятся к выразительному значению метроритмической записи с гораздо меньшим пониманием. Всевозможные ритмические вольности являются либо результатом ограниченности музыкальных способностей или недостаточной развитости их, либо — неграмотного прочтения метроритмической записи. Как и другие музыкальные способности, чувство ритма поддается воспитанию и развитию. Но поскольку все музыкально-выразительные средства взаимосвязаны и в комплексе решают какую-то определенную музыкальную задачу, то и развитие ритмического чувства возможно лишь в неразрывной связи с другими компонентами музыкальной ткани.

Следя за развитием у ученика чувства ритма, педагог должен знать характер и причины ритмических недочетов и стремиться к их исправлению.

Динамические оттенки.

Динамические оттенки – важное средство музыкальной выразительности. Они превращают исполняемое произведение в красочное, яркое художественное произведение, а исполнение делают выразительным и эмоциональным. Иногда исполнение требует сопоставления контрастной динамики, но в любом произведении присутствует постепенное усиление и постепенное ослабление динамики — нюансы крещендо и диминуэндо.

Важно донести до ученика, что выразительное и техничное исполнение предполагает обязательное использование крещендо и диминуэндо в любом произведении. С помощью этих нюансов – диминуэндо и крещендо – мы выделяем опорные, кульминационные звуки в фразах, оттеняем мелодию. Воспитывая хорошее понимание динамики, полезно использовать на начальном этапе обучения упражнение: играть один звук с разной силой, форте, затем пиано, и также на одном звуке играть крещендо и диминуэндо. При этом важно побуждать ученика вслушиваться в звучание.

Тембр

Еще одно важное средство музыкальной выразительности – тембр. Тембр – это окраска звука музыкального инструмента или человеческого голоса. Тембр придает эмоциональный характер музыке. Одна и та же мелодия звучит по-разному в исполнении различных инструментов. Для развития восприятия тембральной окраски звука необходимо как можно раньше приучать ребенка слушать произведения, исполняемые на различных инструментах. Для этого необходимо посещать концерты, прослушивать аудиозаписи музыкальных произведений. Полезно дать ученику послушать аудиозапись одного и того же произведения, исполняемого на разных инструментах, например в оркестровом исполнении и на фортепиано и т.д.

Регистр-еще одно средство музыкальной выразительности. На начальном этапе обучения необходимо знакомить ученика с выразительными возможностями регистров. Играя маленькие пьески можно предложить ребенку сыграть их в разных регистрах, обсудив с ним и сравнив изменения характера звучания.

Темп и агогика

Уже в младших классов необходимо объяснить ученику, что темп зависит от содержания и характера музыкального произведения. Колыбельную, например, мы поем и играем в медленном, спокойном темпе. А марш звучит размеренно, в темпе шага. Подвижные темпы мы встречаем в танцевальной музыке, в такой, как гопак, полька и.т.д. Постепенно нужно приучать ученика к запоминанию терминов, обозначающих темп. Также важно обратить внимание ученика на агогику, изменение темпа, встречающиеся в музыке и объяснить, что это связано с художественным образом, содержанием произведения. Ученику будет более понятно, если музыкальную речь с постепенными ускорениями и замедлениями сравнить с человеческой речью: какие-то фразы мы говорим более оживленно, ускоряя речь, а какие-то, наоборот, с замедлением. Эти замедления приходятся на окончания фраз.

Заключение

Работа над музыкальным произведением - это бесконечное вслушивание во все подробности и изгибы, во все детали фактуры и их гармоничное сочетание, это поиск вариантов музыкального образа: штриха, движения, агогики, педали и т.д.

«Ученик должен понять, что прекрасное разнообразно и до расточительности щедро в своих проявлениях, плохое же едва отличимо одно от другого, однообразно, скупо» Нейгауз Г.Г.

 

 

 

Методическая литература:

1. Вицинский А.В. Процесс работы пианиста – исполнителя над музю произведением. Психологический анализ.-М: «Классика - XXI», 2004.-100с.(Серия «Секреты фортепианного мастерства»);
2. Гофман Й. Фортепианная игра. Ответы на вопросы о фортепианной игре. –М.: «Классика - XXI», 2010.-192с.
3. Карпычев М.Г. Заметки педагога фортепиано, 2010.-238с.;
4. Либерман Е. Творческая работа пианиста с авторским текстом.- М.: Музыка, 1988.-236с.;
5. Москаленко Л.А. Донотный период обучения пианиста.- Новосибирск: НГК им. Глинки,2000.-41с.;
6. Как научить играть на рояле. Первые шаги (классические работы выдающихся мастеров фортепианной школы) Сост. С.В. Грохотов-М.: «Классика - XXI», 2005.-220с.- (Серия «Мастер-класс») и т.д.

Опубликовано: 25.12.2023